Sabine DuMont Schuette & Constantin Rothenburg by FHU


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Paulo Jose Miranda 3 selected books

Christine and Hemma LEICA FHU

Annette Dell by FHU
Amanda Season + Joao Sim.

Francisco Huguenin-Virchaux Uhlfelder

Auto Portrait FHU

by Writer Schriftsteller Ecrivain Scrittore Poeta Auteur Poet

Paulo Jose Miranda

Matthew Barney at the Hamburger Bahnhof

In Francisco Huguenin Uhlfelder’s (FHU) photographs, [I am referring to his photographs of mature women], women appear before us, exposed to the splendour of the human paradox: beauty’s unattainable place. What I mean to say is that beauty’s intangibility appears more intangible than ever.

What perturbs us so much when we are confronted with these women? Has-been beauty, beauty that still causes us to stir or do we recognise that we may have to question this omnipresent manifestation, to wonder what is really worthwhile in this life? Through these photographs, we can identify the mystery of beauty with the mystery of life.  Faced with the upper limit when beauty has all but faded, we become all too aware of life and death – a boulder that we cannot budge. Even more so than a text, photography limits us to seeing the metaphor in the artist’s work. Even though we may be distracted, even though the problem before us is not developed further, it is impossible not to become bothered or restless, as if we have been sitting uncomfortably for a long time in the same position. Why does beauty have such power over a life? Why is it so cold when beauty is over or nears its end (for the life regarding it and for the life that bears it)?

Melancholy is the leitmotif in the gaze of these women who were asked to pose for the camera. It is clear to see the subjects’ discomfort in some of the photographs, vulnerable to the light that will develop this exact moment forever. It is this “exact moment” that drowns these faces in melancholy! If these photographs were not for developing, the expressions on these faces would be different. Knowing beforehand that the “exact moment” will be developed and shown is what introduces an existential chill. More than being revealed to the world, what causes this shiver is being revealed to one’s self (because the individual takes it for granted that the world sees him/her as the camera shows). Obviously, no one is really like his/her developed “exact moment” captured in a flash between him/herself and the camera, but those who allow themselves to be photographed  know that they will have to face more the way others see them rather than what they see in the mirror. What FHU captures on film is, essentially, fear. Fear of not being who you are. The subjects’ fear of not recognising themselves in the image. These women, who were once undeniably beautiful, are afraid that they will not find themselves in the developed photographs. FHU captures this existential chill, which is the fear that when we look at a photograph, we will be confronted with a total stranger. Something even worse can happen: we may be faced with someone we refuse to be (a stranger we do not want to accept we are). But something altogether much simpler may occur: we may merely not want to be reminded of the image that we are (although such people normally refuse to look at the developed photographs). What then leads these women to face the camera, to expose themselves to fear?

As well as the different circumstances behind the women photographed and the different days they were having, that is to say, besides the subjectivity, it is important to try to understand the objectivity of exposure to camera light. In this search for objective reasons, there are three that stand out: because they know they are beautiful; because they want confirmation of how the world views their beauty; because they want to reaffirm their own lives over and above the image that the world may have of them. For someone who knows she is beautiful, the camera captures no melancholic air, nor does it cause any shivers. Yet the situation here is not “she knows she is beautiful”, rather “she knows she is still beautiful.” This “still” changes everything. Anyone who is aware of a “still” gets a chill to their very quick. At a dinner among wine connoisseurs, when the sentence “there’s still some wine” is uttered, two contradictory things are undeniably heard: for now, that’s good, but things are going to get worse. Moreover, if we use those who snort cocaine as another example, this becomes more evident: if we don’t add “a lot” to the “there’s still” they immediately start to think that things are taking a turn for the worse. If, in a football match, one of the teams really needs to score a goal and one of the players or fans asks how much time is left until the end of the game and the reply is “there are still 5 minutes left”, this doesn’t make one jump for joy (although there is hope, which is why it is valid to reply “still”). “Still”, as an adverb of time, immediately holds us hostage to duration, to the duration of the act governed by the “still.” The shiver comes from what our conscience tells us from deep-down: this is nearly over. In the case of the women in the photographs: beauty is nearly over. For someone looking at these photos face-on, life is nearly over. If these women felt a similar chill to the wine connoisseurs at their dinner or the football fan, it probably depended on each individual and how their subjective spirits were on the particular day they faced the camera. Yet they will never be rid of the “still” and its chill. Furthermore, the confirmation that these women may be looking for in the developed photo alone shows the stage that their consciences are at: the need for confirmation.  Anyone who is enveloped in a need for confirmation, whatever it may be for, is immersed in murky waters. The need for confirmation is considerably different to the need to hear what one already knows but likes to hear continually and repeatedly (the example of a woman or girl who needs to hear that she is beautiful, needs to hear the world repeat what she knows so well). The need for confirmation about oneself is exactly the issue here and it can only be accompanied by a violent chill to one’s very core. Lastly, the women in these photographs face the camera in order to face the world. To show the world that they are bigger than beauty. Bigger than beauty that once was (or still is), greater than the expectation of beauty that the world has of them. Perhaps. Yet who needs to be reaffirmed by transcending beauty? Certainly not the woman who never had beauty, rather the woman who had it or feels she is losing it. Reaffirming oneself before the world through transcending beauty (in a photograph) serves only as a reminder for those who deem such affirmation necessary. The woman who has never been beautiful knows that she doesn’t need to reaffirm herself through transcending beauty: she is already above beauty (one could also mention the case of feeling below beauty.)

Yet why then do these women expose themselves to fear? For beauty. The same reason why we expose ourselves to life. We now see more clearly why these photographs, which appear simple portraits, disturb us so much. Even if beauty fades from a woman’s face, from her body, it never totally disappears. Sometimes only a hint remains; other times the wish that it were not over; other times a memory, an old way of life that has left its mark on this woman now, and just like a dress, does not fit well. There are many ways in which the disinherited react to the loss of their fortune (the interrupted fortune). Only someone who gives what they inherit or can inherit (refusing the legacy) can be free from a memory riddled with this possession.  If truth be told, lost beauty is never truly lost, we just stop seeing it. But it remains in these women, showing itself without a light that brings them to us. Ceasing to see or potentially ceasing to see (the beauty that remains in the memory) is exactly what causes the existential chill that FHU’s camera captures in such exemplary fashion.

How is it possible that we fall in love with these women, with the portraits that reveal these women here? We fall in love with the beauty we thought lost forever; we are besotted with the beauty that remains; we fall in love with the pain these women carry, in their fear of going from the light into the darkness; we fall in love with who we were, who we are or who we may be, according to the case, age and sensitivity of each observer, recognising our lives in each of our counterparts, in the depicted life of these women. Yet the passion is even deeper-rooted: in this work by FHU, we fall in love with existence. We fall in love with the human being, stretched along an entire lifetime. Because, as we have seen, this “exact moment” is only exact because, in addition to this moment, it hurls our understanding to a before and after. Faced with these photographs, our understanding goes even deeper: faced with these women, understanding pitches us against ourselves.

Paulo Jose Miranda


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the only girl who ran away from concept Joao Simoes and she noticed the mistake in seconds. FHU LEICA

Blues Lady by courtesy of London




the original photo album


Darlene’s Open End by courtesy of

Christine Kreuzpaintner


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In  Portuguese


por  Paulo Jose Miranda

Nas fotografias de Francisco Huguenin Uhlfelder (FHU), [refiro-me às fotografias de mulheres maduras] as mulheres aparecem diante de nós expostas ao esplendor do paradoxo humano: o lugar inalcançável da beleza. Digo: a intangibilidade da beleza surge-nos aqui mais intangível do que nunca. O que é que nos faz ficar tão angustiados face àquelas mulheres: a beleza que já foi, a beleza que ainda nos tenta ou reconhecermos que estamos vulneráveis à indagação desta manifestação omnipresente, à indagação do que é que vale a pena nesta vida? O mistério da beleza identifica-se nestas fotografias com o mistério da vida. Diante do limite extremo da beleza a desaparecer, a vida e a morte assumem uma consciência concreta, uma pedra de que não nos podemos desviar. A fotografia, mais ainda do que um texto, impede-nos de não ver o que está a acontecer na metáfora que o autor trabalha. Ainda que distraídos, ainda que não haja uma elaboração do problema que está diante dos nossos olhos, não é possível furtarmo-nos a ficar incomodados, como se estivéssemos mal sentados há muito tempo e numa mesma posição. Porque exerce a beleza tanto poder sobre uma vida? Porque faz tanto frio (à vida que a contemplava e à vida que a transportava) quando a beleza se acaba ou se vislumbra o seu fim?

A melancolia percorre o olhar destas mulheres que são convocadas a enfrentar a câmara. Em algumas das fotografias, consegue-se perceber muito bem o incómodo por parte de quem fica exposto, vulnerável à luz que há-de revelar esse exacto momento para sempre. É este “exacto momento” que inunda estes rostos de melancolia! Se a luz não fosse revelada, muito diferentes seriam as expressões nestes rostos. Saber antecipadamente que o “exacto momento” será revelado, será mostrado, é que introduz um arrepio existencial. Mais do que ser revelado ao mundo, o que arrepia é ser revelado ao próprio (pois o próprio toma como certo que o mundo o vê como a câmara o revela). Ninguém é como a sua revelação à luz de um “exacto momento” captado entre si e uma câmara, obviamente, mas quem se deixa fotografar sabe que vai enfrentar muito mais a imagem que os outros vêm de si, do que aquela que vê frente a um espelho. O que FHU capta na sua câmara, no fundo, é o medo. O medo de não se ser quem é. O medo, por parte de quem é fotografado, de não se ir reconhecer na imagem que tem de si mesmo. Estas mulheres, outrora indiscutivelmente belas, sentem medo de não se encontrarem na revelação. FHU capta esse arrepio existencial, que é o medo de, ao nos olharmos na revelação de uma fotografia, ficarmos diante de um desconhecido. Pode acontecer muito pior ainda: ficarmos diante de quem nos recusamos a ser (um desconhecido que não queremos aceitar que somos). Mas também pode acontecer algo muito mais simples: apenas não querermos ser lembrados da imagem que somos (embora geralmente estes recusam enfrentar a revelação). O que leva então estas mulheres a enfrentarem a câmara, exporem-se ao medo?

Para além das diferentes circunstâncias e dos diferentes dias de cada uma das mulheres fotografadas, isto é, para além da subjectividade, importa tentar perceber a objectividade da exposição à luz da câmara. Nesta procura de razões objectivas, adiante-se três: porque sabem que ainda são belas; porque querem uma confirmação de como o mundo interpreta a sua beleza; porque querem afirmar as suas próprias vidas acima da imagem que o mundo possa ter delas. A quem sabe que é bela, a câmara não capta um ar de melancolia, nem causa arrepio nenhum. Só que a situação aqui não é “sabe que é bela”, mas antes “sabe que ainda é bela”. Este “ainda” muda tudo. Quem tem consciência de um “ainda”, tem um arrepio pela existência acima. Num jantar, entre apreciadores de vinho, quando se escuta a frase “ainda há vinho”, escuta-se sem dúvida duas coisas contraditórias: isto está bom, por enquanto, mas vai ficar mau. E, se usarmos como exemplo aqueles que cheiram cocaína, torna-se mais visível: se ao “ainda” não se juntar “há muito”, eles pensam imediatamente que as coisas estão a ficar mal. Mas o exemplo que prefiro vem do desporto. Se, num jogo de futebol, uma equipa precisa impreterivelmente de marcar um golo e um dos seus jogadores ou adeptos pergunta o tempo que falta para o jogo acabar e a resposta é “ainda faltam cinco minutos”, esse ainda não traz muita alegria (embora haja esperança, por isso se justifica responder “ainda”). “Ainda”, enquanto advérbio de tempo, põe-nos imediatamente reféns da duração, da medida da duração daquilo que o “ainda” acusa. O arrepio advém de, no fundo, a consciência dizer-nos: isto está a acabar. No caso das mulheres das fotografias: a beleza está a acabar. No caso de quem fica diante das fotografias: a vida está a acabar. Se as mulheres destas fotografias sentiram um arrepio mais próximo do jantar dos apreciadores dos vinhos ou do adepto da equipa de futebol, provavelmente variou dependendo de cada uma delas e do ânimo subjectivo desse dia em frente da câmara, mas do “ainda” e do seu arrepio não se livraram. Por outro lado, a confirmação da beleza que essas mulheres possam ir buscar á revelação, por si só, mostra a situação onde se a encontra as suas consciências: necessidade de confirmação. Quem está imerso numa necessidade de confirmação, do que quer que seja, está imerso numas águas desconfortáveis. Necessidade de confirmação é muito diferente da necessidade de ouvir o que já se sabe, mas que se gosta de ouvir continua e repetidamente (o exemplo da mulher e da rapariga que necessita de ouvir que é bela, que necessita de ouvir o mundo repetir o que ela tão bem sabe). Necessidade de confirmação acerca de si, pois é exactamente do que se trata, só pode trazer também um valente arrepio pela existência acima. Por fim, as mulheres destas fotografias enfrentaram a câmara para enfrentar o mundo. Para mostrarem ao mundo que são maiores do que a beleza. Maiores do que a beleza que já foram (ou ainda são), maiores do que a expectativa de beleza que o mundo tem delas. Pode ser. Mas quem é que tem necessidade de se afirmar acima da beleza? Não é seguramente a mulher que nunca a teve, mas aquela que a teve ou que sente que está prestes a perdê-la. Afirmar-se diante do mundo (através da revelação) acima da beleza, só lembra a quem julga ser necessário essa afirmação. Uma mulher que nunca foi bela sabe que não precisa afirmar-se acima da beleza: ela é acima da beleza (pode-se também dar o caso de se sentir abaixo da beleza).

Mas então porque é que estas mulheres se expuseram ao medo? Pela beleza. A mesma razão por que nós nos expomos à vida. Vemos agora mais claramente porque é que estas fotografias, que parecem simples retratos, nos perturbam tanto. Mesmo que a beleza desapareça do rosto, do corpo de uma mulher, nunca desaparece totalmente. Por vezes, fica apenas uma suspeita; outras vezes, um desejo de que ela ainda não tenha acabado; outras, uma memória, um modo de vida antigo que ficou incrustado nesta mulher de agora e que, tal como um vestido, não lhe acenta bem. O modo como os deserdados se comportam em relação à fortuna perdida são muitos, mas em nenhum desses modos vamos encontrar o esquecimento da fortuna perdida (da fortuna que foi interrompida). Só quem doa aquilo que herda ou pode herdar (recusando a herança) é que não tem a memória povoada por esse bem. Em verdade, a beleza perdida nunca se perde, acabamos é por deixar de vê-la. Mas ela continua lá, nestas mulheres, a fazer-se sentir sem uma luz que as traga até nós. Precisamente este deixar de se ver ou poder vir a deixar de se ver (a beleza que continua na memória) é que causa o arrepio existencial que a câmara de FHU capta exemplarmente.

Como é possível não nos apaixonarmos por estas mulheres, pelos retratos que aqui mostram estas mulheres? Apaixonamo-nos pela beleza que julgamos perdida para sempre; apaixonamo-nos pela beleza que ainda resta; apaixonamo-nos pela dor que essas mulheres transportam, no receio de irem da luz às trevas; apaixonamo-nos por aquilo que fomos, por aquilo que somos ou por aquilo que seremos, consoante o caso, a idade e a sensibilidade de cada um dos observadores, ao reconhecermos a nossa vida na vida retratada dos nossos semelhantes, na vida retratada destas mulheres. Mas a paixão cai ainda mais longe: neste trabalho de FHU, apaixonamo-nos pela existência. Apaixonamo-nos pelo humano, comprimido pela totalidade do tempo de uma vida. Porque, como já vimos, este “exacto momento” só é exacto porque, para além dele mesmo, arremessa ainda a nossa compreensão para um antes e um depois do momento representado. Mas frente a estas fotografias, a nossa compreensão vai ainda mais longe: frente às retratadas, a compreensão arremessa-nos contra nós mesmos.

Paulo Jose Miranda



A hidden photography

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Francisco Huguenin-Virchaux Uhlfelder

art director | social networks master | photographer |

fashion entrepreneur

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demand it – I will make it happen

Welcome you heard it twice the 1st time

Sabine DuMont Schuette & Constantin Rothenburg by FHU

puta wallpainting rua da madalena lisboa by fhu leica

August 2012 by LEICA M8 with Concept Joao Simoes at

FHU by Concept Joao Simoes


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